jueves, 31 de mayo de 2012

E.T.: The Extra-Terrestrial (1982) Blu-Ray USA/UK - Director: Steven Spielberg

Universal have announced the US Blu-ray release of E.T. The Extra-Terrestrial for October 2012 (a specific date is TBC). Steven Spielberg's 1982 adventure classic has been digitally remastered for this 30th Anniversary Edition release and Blu-ray debut. The new presentation and one of the new extras will also receive a DVD release.

E.T.: The Extra-Terrestrial (1982) Blu-Ray USA - Director: Steven Spielberg
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  • 1080P 1.85:1 Widescreen
  • English 7.1 & 2.0
  • Spanish and French 5.1
  • English SDH, French and Spanish subtitles
  • The E.T. Journals: In this all-new bonus feature, retrace the day-to-day experience of creating E.T from never-before-seen, behind-the-scenes footage shot by Academy Award®-winning cinematographer John Toll. This piece will give viewers a unique feeling of being on the set and living the excitement of what it was like to make E.T.
  • Steven Spielberg & E.T.: Watch an all-new interview with Steven Spielberg, as he reflects back on the film and discusses his experience working with the actors, as well as his overall and current perspective on E.T.
  • Deleted Scenes: Two scenes from 2002 version of the film.
  • A Look Back: A special insider’s look into the making of E.T. featuring interviews with Steven Spielberg, the cast, and others intimately involved with the film.
  • The E.T. Reunion: The cast and filmmaker reunite to discuss their thoughts on the impact of the film.
  • The Evolution and Creation of E.T.: From idea to screenplay, through casting and making the film.
  • The Music of E.T.: A Discussion with John Williams: Interviews and footage focused on the long-standing relationship between John Williams and Steven Spielberg.
  • The 20th Anniversary Premiere: Composer John Williams played the score of E.T. live at the Shrine Auditorium for the re-release premiere of E.T. This featurette gives us a behind the scenes look at this presentation.
  • Original Theatrical Trailer
  • Special Olympics TV spot
  • Designs, Photographs and Marketing
    • E.T. Designs by Production Illustrator Ed Verreaux
    • E.T. Designs by Carlo Rambaldi
    • Spaceship Designs by Ralph McQuarrie
    • Designs by Production Illustrator Ed Verreaux
    • Production Photographs
    • Marketing E.T.


Universal have announced the UK Blu-ray release of E.T. The Extra-Terrestrial on 12 November 2012. Steven Spielberg's 1982 adventure classic has been digitally remastered for this 30th Anniversary Edition release and Blu-ray debut.

E.T.: The Extra-Terrestrial (1982) Blu-Ray UK - Director: Steven Spielberg
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Available in regular and steelbook editions, both feature the theatrical cut of the main feature with 7.1 audio alongside new and old bonus features. Also included with both is a digital copy of the film. Extras include:
  • The E.T. Journals: In this all-new bonus feature, retrace the day-to-day experience of creating E.T from never-before-seen, behind-the-scenes footage shot by Academy Award®-winning cinematographer John Toll. This piece will give viewers a unique feeling of being on-set and living the excitement of what it was like to make E.T.
  • Steven Spielberg & E.T.: Watch an all-new interview with Steven Spielberg, as he reflects back on the film and discusses his experience working with children as well as his overall and current perspective on E.T.
  • Deleted Scenes
  • A Look Back: A special insider’s look into the making of E.T. featuring interviews with Steven Spielberg, the cast, and others intimately involved with the film.
  • The E.T. Reunion: The cast and filmmaker reunite to discuss their thoughts on the impact of the film.
  • The Evolution and Creation of E.T.: From idea to screenplay, through casting and making the film.
  • The Music of E.T.: A Discussion with John Williams: Interviews and footage of the long-standing relationship between John Williams and Steven Spielberg.
  • The 20th Anniversary Premiere: Composer John Williams played the score of E.T. live at the Shrine Auditorium for the re-release premiere of E.T. This featurette gives us a behind the scenes look at this presentation.
  • Original Theatrical Trailer



E.T. Phone home! por Alvaro Alberto Zamora Cubillo
https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7l7Is5efxYVrKwLp-uiaxINCZwkhM1ZZfiH2cFPPxmbZt5ffw1Cp0DVWh5IHoXIVA_nqV5EFhjVhL-IioNJDpmkZlmNBOeWZYm5oyf-4cR-B9Sy14hvSoVT5ABPZMQ2l4V1fnXIsOtFhh/s1600/E.T.-The+Extra-Terrestrial.jpg
Una de las películas más sinceras de la Historia del Cine, un sueño hecho realidad que, a pesar de su trasfondo mágico e infantil, oculta una triste desesperanza: la pérdida de los anhelos.
Es injusto, no poder recordar los mejores momentos de mi vida, mi infancia, cuando desearía, al menos, recordar los primeros 10 años, cuando todo era inocencia, el amor inmaculado de mis padres y mis hermanas, todos juntos, es realmente injusto.
E.T.-The Extra-Terrestrial la vi una vez en mi vida solamente, cuando se estreno en mi pueblo, su mensaje aún brilla en mi corazón.
Esa vez... ¿Quién no lloró?
Recuerdo sonriendo que el cine estaba repleto de padres con sus hijos y en la escena más dramática del film no lloraban los niños sino los padres.
Y el gran momento en el que vuelan con las bicis, el público rompió a aplaudir desaforadamente, nunca me he visto a mí y a todo el público con tanta emoción con una escena de cine.
Como no amar las películas si ellas te han sentir pasiones muy profundas.
Recordando la película me invade una cierta melancolía.
Ha quedado como un hermoso momento grabado en el pasado.
No he vuelto a ver la película por el simple hecho de lo que a uno le parece grandioso de pequeño se le queda pequeño de adulto, es mi experiencia con algunos que han visto conmigo The Exorcist, por ejemplo, lo que causó terror una vez, hoy es un chiste, no es justo.
Es por eso que a E.T.-The Extra-Terrestrial la he dejado en el baúl de los recuerdos.
Muchos años después, justamente hoy, la visioné esperando encontrar nuevos detalles, y así fue, me devolvió a mi padre, hoy ausente, a mi madre, y mis hermanas y hasta cierto modo, iluminó los primeros 10 años de mi vida, cuando todo era bueno y justo.
Para todos aquellos que vimos esta encantadora cinta cuando éramos niños, no nos fue posible refrenar nuestro deseo de levantar nuestro dedo índice y decir "Auch".
Pues si hay escenas y/o frases clásicas en la historia del cine, indiscutiblemente ésta fue una de ellas.
Imagino que entrar en un sitio como El Teatro alla Scala de Milano, la Capilla Sixtina o el Museo de Louvre produce en uno un extraño sentimiento, igual puede pasarte al escuchar la canción que compartes con tu ser amado o la que le cantabas a un niño como arrullo.
Te estremeces.
Existen expresiones artísticas capaces de contener esos sentimientos, y no solo los tuyos que vienen dados por la memoria, también sentimientos que vienen de la masa crítica de la misma obra.
Hoy en días de Luna Llena, impulsándonos como colectivo a tener un nivel empático mayor con los demás y al poder sentir lo que el mundo que te rodea transmite, el artista será capaz de plasmarlo en su obra.
El sentimiento del colectivo puede ser atrapado y puesto en una obra con una fuerza tal que lleve a las personas al límite de la emoción y el llanto.
La sin igual escena del canto de “La Marseillaise” en Casablanca hace que aun, sin saber francés, tu corazón se emocione al verla.
Esa luz maravillosa, impulsa la necesidad del artista de contar su obra, de llegar al público utilizando sus habilidades excepcionales para comunicar con fuerza la emoción que ha captado y trasmitirla a quien la admira.
La influencia del escenario energético convierte la obra artística en reflejo de un evento histórico o social enmarcándola en la vida cotidiana y convirtiéndola en historia viva.
Como ejemplo de ello podemos citar a Steven Spielberg quien nació en 1946 y creció como muchos chicos y adolecentes de esa época alimentando su cabeza con los comics y libros de ciencia ficción escritos y dibujados por hombres que vivían realidades como el aterrizaje de Roswell o las especulaciones en las noticias sobre hallazgos del gobierno (en especial el Libro Azul) en materia extraterrestre.
El mismo Spielberg cuyos padres se divorciaron el 1960 admite que, para manejarlo, creó un amigo imaginario extraterrestre.
Ya adulto, la necesidad por expresar esa emoción empática por la vida extraterrestre es enlatada y llevada a la pantalla gigante en obras que abren nuestra mente a la llegada de la vida del espacio exterior como E.T.-The Extra-Terrestrial y Close Encounters of the Third Kind.
Hay otro aspecto más conectado a la obra de Spielberg, ambas películas son símbolos de su expansión y visión (Avant Garde) como productor y director, sin duda acciones descritas en las energías de hoy.
Una enérgica persecución y la lucha por la libertad, la empatía de un chico por un extraño ser que ha encontrado en su jardín, y él, la masa crítica generada por la emocionalidad de millones de personas que creen en la vida extraterrestre se verán atrapadas en la obra de Steven Spielberg, en una suerte de portal emocional que libera la emoción contenida en cada espectador de la película.
Con estos mimbres, E.T.-The Extra-Terrestrial se convirtió de un plumazo en clásico absoluto que fusionó el cine familiar con el de ciencia ficción y que nos mostró a los alienígenas como seres llenos de sentimientos y capaces de despertar ternura y cariño a raudales, en lugar de la visión más extendida (hasta la llegada de Steven Spielberg) de unos extraterrestres que buscaban eliminarnos por la vía rápida.
E.T.-The Extra-Terrestrial ha terminado por ser considerado un clásico, y sin dudas es una de las películas más amadas por parte del público.
Además, es uno de los mayores homenajes que se le han hecho a la infancia.
Un cuento para aquellos que se niegan a envejecer y para los que habiéndolo hecho retornen hacia sí mismos, a su hogar más íntimo, a su patria.
"La verdadera patria del hombre es su infancia" decía el poeta Rainer Maria Rilke.
No por casualidad en un momento de E.T.-The Extra-Terrestrial la madre está leyéndole a la niña pequeña el cuento de Peter Pan, que sirve de metáfora de lo que estoy diciendo.
Los cuentos infantiles han sido usados por Spielberg de forma inteligente en más ocasiones.
La infancia está presente de un modo u otro a lo largo de toda la cinta.
La historia está contada a través de los ojos del niño, Elliot (Henry Thomas), y por esta razón Spielberg sitúa la cámara siempre desde este punto de vista.
Por ejemplo, los científicos que buscan al extraterrestre para investigarlo nunca muestran el rostro, como mucho a través de las escafandras.
Spielberg siempre los presenta de forma amenazadora, son monstruos ante los ojos del niño, seres capaces de separarle de su más preciado amigo.
Este es uno de los muchos aciertos de la película.
Por otro lado, la inverosimilitud que encontramos en la cinta (como que el extraterrestre pueda comunicarse con los suyos construyendo un teléfono con un juguete) hay que entenderla desde la óptica infantil, por eso está justificada.
E.T.-The Extra-Terrestrial también es una gran película sobre la amistad.
Hay muchas definiciones del término "amistad", y aquí es entendida como la unión entre dos seres semejantes.
Los dos amigos, el niño y el extraterrestre, llegan a ser la misma persona.
Esta idea está reforzada por el hecho de que el extraterrestre se comunique con Elliot telepáticamente, y así éste "siente los sentimientos" de E.T., como se dice en un momento de la cinta.
Spielberg dio la vuelta al género de ciencia ficción sobre el contacto con extraterrestres.
En los años cincuenta los films de este tipo se hicieron muy populares y los extraterrestres eran mostrados como seres monstruosos que se quieren adueñar de la Tierra (la novela de H.G. Wells La Guerra De Los Mundos,
que Spielberg también adaptó en el año 2005 influyó mucho en este sentido).
E.T. es un extraterrestre que llega a la Tierra pero de forma pacífica, es un ser entrañable y carente de maldad.
No exagero si afirmo que E.T.-The Extra-Terrestrial es una obra maestra.
Desde el punto de vista cinematográfico la película es un prodigio: La narración es limpia sin artificios de ningún tipo, la fotografía logra crear ambientes misteriosos y fascinantes (como el del comienzo en el bosque), y la excelente interpretación de los niños consigue la ternura que su director quiere transmitir.
No sería justo acabar sin mencionar la maravillosa música de John Williams que sirve para orquestar cada plano, cada secuencia.
La puesta en escena está construida en base a la música.
El cine de Spielberg no sería lo mismo sin este magnífico compositor.
Dicen que una película es independiente cuando su principal instigador logra imponer su forma de pensar frente a las presiones de un gran estudio.
Si esto es así, no hay duda de que E.T.-The Extra-Terrestrial es una obra personal, un reflejo de una infancia solitaria que sólo se ve colmada por la aparición de un suceso extraordinario.
De hecho, Universal Studios no creía en esta historia (incluso fue rechazada por otras «majors», que preferían que los alienígenas fueran belicosos), y ni siquiera sus creadores sospechaban que les iba a reportar tan altos beneficios.
La película está llena de temas, asombrosos, que en su momento, con mi punto de vista infantil no logré captar y con este segundo visionado, quiero compartir para reivindicar la magia contenida en E.T.-The Extra-Terrestrial:
La narración suscita reacciones elementales de emoción, risa, compasión, ternura, afecto, temor, amenaza, miedo y, sobre todo, de una enorme complicidad con los protagonistas, suficiente para hacer creer a más de uno lo increíble.
Los críticos se han enfocado en el paralelismo entre la vida de E.T. y Elliot, quien es alienado por la pérdida de su padre y en su propia manera, Elliot sufre la falta de un hogar también.
Al igual que Spielberg, y su solitaria infancia.
En la película, ambos son entes solitarios, aun desconociendo la edad de E.T., aparentemente, este factor no es relevante en la cinta.
La complicidad que se origina, entre el visitante extraterrestre y el niño que lo recoge, es expuesta con una elegancia inusitada, un ejemplo incuestionable de lo que debiera ser la verdadera amistad.
No hay, pues, lloriqueos banales, sino un cúmulo de escenas brillantes que describen profusamente la relación de amistad, apoyo sincero e incondicional, del más puro e inmaculado, que se va generando entre el niño y E.T.
Para más similitud, coincidentemente, E.T. es la primera y última letra del nombre de Elliot.
El corazón del filme es el tema de madurar.
Una narración de Peter Pan desde la perspectiva de un Niño Perdido (Elliot): E.T. no puede sobrevivir físicamente en la Tierra, como Pan no podría sobrevivir emocionalmente en Neverland; los científicos del gobierno toman el lugar de los piratas de Neverland.
Y acá, hacemos conexión con la literatura de nuestra época, emanado recuerdos de nuestros tiempos de infancia.
El hecho que intentan mantenerlo oculto a su madre y el gobierno, es una alegoría al carácter soñador, infantil, fantasioso de los niños que puede ser peligrosamente destruido por la mentalidad adulta, de muchas formas y maneras.
Otros críticos encontraron paralelismos religiosos entre E.T. y Jesús de Nazaret.
Si, parece descabellado pero la historia de E.T. viene a ser como la crucifixión por la ciencia militar y la resurrección por el amor y la fe.
Como alegoría cristiana.
Y acá, hacemos otra conexión, con nuestras creencias más arraigadas, partiendo de la más sencilla, y común encontrada en todas las religiones: Amad al prójimo como a ti mismo.
Aquí el recurso está utilizado como golpe de efecto para provocar un pico dramático sobre el final.
La resurrección del alienígena, su corazón ardiente en el pecho, como una estampa de Cristo Redentor y su capacidad de generar milagros.
Universal Studios apeló directamente al mercado cristiano, con un cartel evocador de La Creación de Adán de Miguel Ángel y un logo que dice Paz.
Un tema importante de E.T.-The Extra-Terrestrial es la tolerancia, lo que sería fundamental para los futuros filmes de Spielberg como Schindler’s List.
Acá vemos la conexión de tolerancia hacia lo desconocido, lo incomprensible por nuestros sentido pero que está ahí, latente.
Tras haber sido un solitario, Spielberg describe el filme como una historia de las minorías.
El característico tema de comunicación de Spielberg es asociado con lo ideal de la comprensión mutua: él ha sugerido que lo central de la historia de la amistad alienígena–humana es una analogía de cómo los adversarios del mundo real pueden aprender a superar sus diferencias.
Acá podemos presenciar en el visionado, que las pistolas de los policías fueron sustituidas por walkie talkies a petición expresa de Spielberg demostrando al menos un carácter menos belicoso y violento del film.
No hay que olvidar, sin embargo, que E.T.-The Extra-Terrestrial también habla de los adultos, de cómo la realidad nos hace olvidar lo que fuimos: niños inocentes eternamente sumergidos en inagotables fantasías.
Al respecto, ver la tierna escena en la que Mary lee a Gertie el cuento de Peter Pan, o el revelador final, justo cuando E.T., tocándole la frente, le dice a Elliot: «Estaré aquí mismo».
Ése es el verdadero sentido de la cinta, la frase que resume con exactitud el mensaje que se haya oculto en tan bellas y poderosas imágenes.
Y una infancia que está viva en nuestras mentes, iluminada por nuestros corazones gracias a E.T.-The Extra-Terrestrial que de un modo u otro nos lo hizo ver a través de todo el metraje.

Para rabia de muchos, Spielberg da muestras de su portentoso genio, algo que demuestra especialmente en los minutos iniciales, ya que oculta al público la figura de E.T., buscando con ello nuestra expectación ante la inminente revelación.
Además, se aleja del infantilismo más fácil en los soberbios pasajes en los que aparecen los agentes gubernamentales y los científicos que buscan a E.T., otorgándole así una apreciada seriedad al filme.
Su entrada en el hogar de Mary y de sus hijos es sobrecogedora, al igual que su posterior visión, acercándose amenazadoramente desde la carretera.
Por último, y por muy trivial que parezca, destacar su imaginación a la hora de hacer volar a los niños en bicicletas, en especial cuando Elliot lo hace con la luna de fondo.
Una hermosa estampa que permanecerá en el recuerdo de incontables generaciones.
Por otra parte, notoria es su magnífica dirección de actores, y en particular lo naturales que resultan los niños que se someten a sus órdenes.

E.T.-The Extra-Terrestrial dejo para la historia una serie de escenas míticas, además de dar una lección de cómo hacer cine de entretenimiento, utilizando alta tecnología a favor de los eventos dramáticos, con arte y poderío.
En estos años, Steven Spielberg no tenía rival ninguno y era capaz de convertir una historia como la de E.T.-The Extra-Terrestrial en un clásico absoluto, dejando muestra de su talento con algunas de las mejores escenas de la historia del cine moderno, como por ejemplo:
El momento en el que E.T y Elliot se encuentran.
Elliot ha oído algo raro y surge el momento de la pelota.
Cuando sale al jardín a investigar y descubre a E.T entre un maizal pegándose los dos un susto tremendo.
Algo con lo que Spielberg nos viene a decir que tanto miedo tiene el alienígena de nosotros, como nosotros de él.
Las bicis voladoras.
Sin duda, una de las escenas más recordadas.
E.T. Hacia el final de la película, cuando Elliot, su hermano y sus amigos huyen de la policía, FBI o lo que sea, el extraterrestre hace que las bicis de todos ellos vuelen para poder escapar y ayudarle a llegar a su casa.
Simplemente magnifico, en este momento, mutismo en todos los sentidos, ametrallados por la música de Williams, es un “to die for”…
El dedo, “mi casa”, etc…
El mismo E.T.-The Extra-Terrestrial tenía una serie de peculiaridades que han durado en el tiempo, como era lo de “encender” su dedo, con el que curaba las heridas, o la de veces que decía “mi casa” y señalaba al cielo diciéndonos que venía del quinto pino espacial.
E.T borracho… perdido.
Una escena que parece sacada de la mejor comedia americana de los años dorados de Hollywood.
E.T se pone pedo perdido a base de cerveza y vemos como llega la madre de Elliot pero aunque el extraterrestre va borracho perdido por la cocina, ella no consigue verle ni una sola vez.
Por supuesto, como Elliot siente lo que siente E.T, él está en clase pero también está borracho.
La lista de momentos, escenas y situaciones memorables podría alargarse muuuucho si quisiéramos: la escena de Halloween, con E.T disfrazado; el momento en el que E.T enferma; la flor que refleja el estado de salud de E.T.; como se trata a los adultos en la película, ya que no se le ve la cara a ninguno de ellos, salvo a la madre de Elliot, hasta que E.T es capturado.
Como digo, la película en sí es una recopilación de momentos clásicos de la historia del cine moderno.
La historia está repleta de grandes momentos, secuencias que quedan en nuestra memoria por siempre.
Después de tantos años, sigue poniéndome la carne de gallina, lloro, me estremezco, un momento mágico.
Lo mejor del film es el final, esa promesa de E.T. a Elliot, con su dedo iluminado dejándolo grabado en su cabeza y en su corazón, de que: "Siempre estaré aquí”.
Parece seguir teniendo la misma fuerza de juramento ahora que entonces.
E.T.-The Extra-Terrestrial es para la persona que somos, la persona que hemos sido y la persona que nos gustaría volver a ser: Niños.

ENLACES/FUENTES:
http://www.dvdactive.com/news/releases/et-the-extra-terrestrial.html
http://film.thedigitalfix.com/content/id/75587/et-usa-in-october.html
http://film.thedigitalfix.com/content/id/75580/et-on-blu-ray-in-november.html
http://lecturascinematograficas.blogspot.com.ar/2011/06/et-extra-terrestrial.html

E.T.: The Extra-Terrestrial (1982)

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E.T., el extraterrestre es una película estadounidense de ciencia ficción de 1982, coproducida y dirigida por Steven Spielberg, escrita y protagonizada por Henry Thomas, Robert MacNaughton, Tom Byron, Drew Barrymore, Dee Wallace y Peter Coyote. Cuenta la historia de Elliott (Henry Tomas), un muchacho solitario que se hace amigo de un extraterrestre, llamado E.T., quien se queda abandonado en la Tierra. Elliott y sus hermanos ayudan al extraterrestre a volver a su hogar, mientras intentan mantenerlo oculto a su madre y al gobierno.
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El concepto de E.T. está basado en un amigo imaginario de Spielberg, creado tras el divorcio de sus padres. En 1980, Spielberg conoció a Mathison y desarrollaron una nueva historia a partir de un proyecto fílmico estancado de ciencia ficción/horror Night Skies. La película fue rodada de septiembre a diciembre de 1981 en California, con un presupuesto de $10.5 millones de dólares. A diferencia de la mayoría de las películas, la película fue rodada en un aproximado orden cronológico, con el fin de facilitar las actuaciones emocionales del joven reparto y que fuesen más convincentes.
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E.T. fue preestrenado en Houston, Texas, donde recibió una buena calificación de los espectadores. El filme se estrenó en la gala de clausura del Festival de Cine de Cannes en mayo de 1982, y fue estrenado en los Estados Unidos el 11 de junio de 1982. Se estrenó en el número uno con un recaudación de USD 11 millones, y se quedó en la cima de la taquilla durante seis semanas. Fluctuó entre la primera y la segunda posición hasta enero. Al final de su temporada en el cine, recaudó USD 359,2 millones a nivel nacional. Spielberg ganó USD 500,000 por día de su participación en los beneficios. El filme fue reestrenado el 19 de julio de 1985, y recaudó USD 40 millones a nivel nacional. E.T. fue estrenado en VHS y laserdisc el 27 de octubre de 1988; para combatir la piratería, las videocasetes eran de color verde. Sólo en Norteamérica, las ventas en VHS llegaron a USD 75 millones.


Reparto
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Henry Thomas como Elliott, un niño solitario de diez años de edad, quien es atormentado por su hermano mayor. Elliott anhela un buen amigo, quien lo encuentra en E.T. Elliott adopta al extraterrestre abandonado y ellos forman un lazo mental, físico y emocional.
Robert MacNaughton como Michael, es el hermano jugador de fútbol de Elliott de 16 años de edad a quien frecuentemente atormenta.
Drew Barrymore como Gertie, es la hermana traviesa de Elliott de siete años de edad. Ella es sarcástica e inicialmente aterrorizada de E.T., pero crece su amor al extraterrestre.

Dee Wallace como Mary, la madre de los niños, recientemente separada de su marido. Ella está en su mayor parte inconsciente de la presencia del extraterrestre en su hogar.Peter Coyote como Keys, es un agente del gobierno así apodado por los llaveros que prominentemente cuelgan de su cinturón. Él le dice a Elliott que ha esperado ver a un extraterrestre desde la edad de diez años.
K. C. Martel, Sean Frye y C. Thomas Howell como Greg, Steve y Tyler. Son los amigos de Michael, que ayudan a Elliott y a E.T. a evadir a las autoridades durante el clímax del filme.
Erika Eleniak como la niña que Elliott besa en la clase.


Versión del 20° aniversario

Una versión extendida del filme, incluyendo los efectos especiales modificados, fue estrenada el 22 de marzo del 2002. Algunos rodajes de E.T. habían fastidiado a Spielberg desde 1982, porque él no tenía tiempo suficiente para perfeccionar los animatrónicos. Se usaron Imágenes generadas por computadora (CGI), proporcionadas por Industrial Light & Magic (ILM) para modificar varios rodajes, incluyendo unos de E.T. corriendo en la secuencia de apertura y viéndose manchas en el maizal. También se modificó el diseño de la nave espacial para incluir más luces. Asimismo, se introdujeron escenas rodadas pero no incluidas en la versión original. Las mismas incluyeron a E.T. tomando un baño, y Gertie diciéndole a Mary que Elliott fue al bosque. Spielberg no añadió la escena con Harrison Ford, sintiendo que cambiaría al filme muy drásticamente. Habiéndose convertido en padre, Spielberg fue más sensible acerca de la escena en que las armas empuñadas por los agentes federales amenazan a Elliott y a sus amigos escapando, así que reemplazó digitalmente las armas por walkie-talkies.http://s1.extracine.com/files/2011/09/ET-2002.jpg
En el estreno, John Williams dirigió en vivo la ejecución de la partitura. La nueva versión recaudó USD 35 millones en Estados Unidos, con una recaudación total a nivel mundial en cifras brutas de USD 793 millones desde 1982.1 La versión del 20° aniversario fue estrenada como parte de una colección de dos discos en DVD el 9 de diciembre de 2002; también fue empaquetada en una edición para coleccionistas con la versión original. Los cambios en el filme, particularmente la escena del escape, fueron criticados como una corrección política. Peter Travers de Rolling Stone pregunta, ¿Recuerdan las armas llevadas por los federales? Gracias al milagro de la tecnología digital, ellos ahora están blandiendo walkie-talkies... ¿Es esto lo que dos décadas han hecho a la libertad de expresión? Chris Hewitt del Empire escribió, Los cambios son sorprendentemente de baja intensidad [...] mientras que las CGI de E.T. de ILM son usadas escasamente como un complemento al extraordinario títere de Carlo RambaldiSouth Park parodió muchos de los cambios en el episodio del 2002 Free Hat.

ENLACES/FUENTES:
http://es.wikipedia.org/wiki/E.T.,_el_extraterrestre
http://80shdmovies.blogspot.com.ar/2011/01/et-extra-terrestrial-20th-anniversary.html

Contes Immoraux (1974) Blu-Ray Alemania - Director: Walerian Borowczyk

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Contes.Immoraux.1974.720p.BluRay.x264-CHD [PublicHD]
 http://i.imgur.com/r7bDH.jpg http://29.media.tumblr.com/tumblr_lwlq7lZc001qdcrbdo1_1280.jpg
http://www.imdb.com/title/tt0071359
RELEASE DATE....: 31/05/2012
THEATRE DATE....: 1974
GENRE...........: Drama, Romance
SOURCE .........: Contes immoraux 1974 BluRay 1080p AVC LPCM2.0-CHDBits
ViDEO BiTRATE...: x264 L4.1 High @ 5614 Kbps
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‘CONTES INMORAUX’. Francia, 1974.
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Versión española: “Cuentos inmorales”. Largo compuesto por cuatro historias independientes. “La marée” es una adaptación literal de un relato de Mandiargues: un adolescente (Fabrice Lucchini) obliga a su primita (Lise Danvers) a que le practique una mamada mientras sube la marea.
http://cf2.imgobject.com/t/p/original/7DtY7VDAX2HP7yBjOub5ochTlAW.jpg
En “Thérèse Philosophe”, una quinceañera beata (Charlotte Alexandra) se masturba con un pepino después de excitarse con los objetos y libros antiguos que encuentra en una habitación donde ha sido encerrada como castigo por llegar tarde a casa.

“Erzsébet Báthory” es una detallada descripción de las actividades cotidianas de la condesa húngara del siglo XV que acostumbraba a bañarse con la sangre de jóvenes campesinas. Paloma Picasso, la hija del pintor, encarna al personaje.
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La última historia se titula “Lucrezia Borgia”. Está ambientada en la Roma de 1498. Recrea un excitante ‘ménage-à-trois’ entre la célebre envenenadora (Florence Bellamy), su padre el Papa Alejandro VI, y su hermano el Cardenal César Borgia. Borowczyk disfruta recreando diferentes épocas históricas con cuatro brochazos decorativos, y se relame de gusto acariciando con el objetivo de la cámara los cuerpos femeninos de actrices y figurantes, en primerísimos planos detalle, forzando el encuadre, improvisando sobre la marcha. Los montajes de las escenas de masturbación y las de las duchas colectivas ponen cardiaco a cualquiera.
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Anne Paloma Picasso Gilot, (19 de abril de 1949, en Vallauris, Francia) más conocida como Paloma Picasso es una empresaria y diseñadora de moda franco-española. Es especialmente conocida por sus diseños de joyas y por la marca de perfume que lleva su nombre. Es la más joven de los hijos del mundialmente conocido artista español Pablo Ruiz Picasso. Su madre fue la también pintora y escritora francesa Françoise Gilot. Sus otros hermanos son Claude, Paulo y Maya Picasso.
Picasso perdió, durante un tiempo, el interés por el diseño tras la muerte de su padre en 1973, y por aquel entonces interpretó el papel de la Condesa Erzsebet Báthory en la película erótica Cuentos inmorales, del director polaco Walerian Borowczyk, recibiendo elogios de la crítica por su belleza. No ha vuelto a actuar.

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ENLACES/FUENTES:
http://a2.moovidadb.com/movies/37710
http://es.wikipedia.org/wiki/Paloma_Picasso
http://pedrocalleja.blogia.com/2006/082201-filmografia-comentada-de-walerian-borowczyk.php
http://promisc.tumblr.com/
http://www.aqualcunopiacecinema.it/joomla/scheda-Film?view=film&filmid=46581
http://www.verdensfilm.dk/immoraltales/immoraltales.html

Filmografía comentada de Walerian Borowczyk

El gabinete erótico del Doctor Borowczyk
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Artista gráfico, animador de culto, cineasta minoritario y erotómano empedernido. El talento polimórfico de Walerian Borowczyk ilumina algunos de los rincones más oscuros de la cultura europea de los últimos 50 años. No hace falta ser una bestia incontinente ni una monja cachonda para disfrutar viendo sus películas. Eso sí, se recomienda leer estos textos sosteniendo el fanzine con una sola mano.

INTRODUCCION A LA GALAXIA BORO. El misterio que rodea la vida y la obra de Walerian Borowczyk aumenta con el paso y el peso de los años. Para empezar, uno siempre se hace un lío escribiendo su nombre. ¿Va antes la C o la Z? ¿Es necesario poner la W en medio de su apellido? ¿Cómo se pronuncian tantas consonantes seguidas? Lo mismo sucede a la hora de encuadrarle en un apartado creativo concreto. ¿Es mejor cartelista que cineasta? ¿Están a la misma altura sus cortos animados que sus largos eróticos? ¿No será su condición de ‘auteur’ un montaje de los críticos franceses? Tratar de encontrar las respuestas adecuadas a éstas y a otras preguntas relacionadas con el Universo Borowczyk resulta complicado, pero no imposible.
Existen dos tipos de admiradores del trabajo de Borowczyk. Unos y otros adoptan con frecuencia posturas irreconciliables. Están los que, con suma maña arqueológica, han logrado ver sus cortometrajes de animación. Casi todos ellos destacan el poderío estilístico y crítico de los mismos, y lo mucho que han influenciado a artistas como Jan Svankmajer y los hermanos Quay. Alejados de tanta pedantería intelectualoide se encuentran los fans fatales de su mal llamada filmografía comercial: curtidos devoradores de celuloide retro enganchados al erotismo fetichista de títulos como "La Bestia" e "Interior de un convento". En los últimos tiempos, además, ha surgido un tercer movimiento teórico que combina ambos puntos de vista, descifrando las claves libidinosas de las piezas en miniatura y redefiniendo las virtudes formalistas de los largometrajes.
No sabemos qué opina el propio Borowczyk de esta febril actividad estudiantil. Lleva tanto tiempo retirado del circuito, cultivando una imagen de excéntrico malhumorado e ignorando retrospectivas y homenajes, que cuesta imaginárselo ilusionado por algo. Una cosa está clara: debería sentirse orgulloso de haber llegado al siglo XXI convertido en un radiante objeto de deseo cinéfago.

HISTORIA DE UN PECADOR ANIMADO. Walerian Borowczyk nació el 21 de octubre de 1923, en Kwilcz, Polonia. Estudió Bellas Artes en Cracovia. A los 16 años se compró una cámara de 16 milímetros, atraído por la complejidad de su mecánica interna. Rodó sus primeros cortos de animación casi sin pretenderlo, de forma autodidacta. No los exhibió hasta principios de los 50, aprovechando el éxito obtenido como diseñador gráfico. En 1957 comenzó a colaborar con el también ilustrador Jan Lenica (1928-2001) en una serie de cortometrajes animados que marcaron época y rompieron con la tradición marionetista polaca representada por Ladislaw Starewicz (1882-1965) y Jiri Trnka (1912-1969). La repercusión internacional de estos cortos les abrió a ambos las puertas de la escena artística europea.
Instalado en París desde 1959, Borowczyk siguió realizando cortometrajes de vanguardia a un ritmo frenético, al mismo tiempo que iba estrechando lazos con artistas, ideólogos y escritores afines a sus gustos personales: gente como André Breton (1896-1966), que siempre le consideró un surrealista sin carnet; André Pieyre de Mandiargues (1909-1992), de quien posteriormente adaptaría varios textos al cine, y Chris Marker (1921), el autor del mediometraje de culto “La Jetée”, con quien colaboró en diversos proyectos.
En 1967, Borowczyk estrenó su primer largometraje, una pieza de animación titulada “Théâtre de Monsieur et Madame Kabal”, que recibió premios en varios festivales especializados. La influencia de Ionesco, Jarry, Beckett y Arrabal se hizo patente también en su siguiente película larga, la primera rodada por completo en imágen real, “Goto, isla del amor”, estrenada un año más tarde. Ya en 1971, el tercer título importante de su filmografía, “Blanche”, apuntaló el prestigio crítico del cineasta polaco.

DEL CINE DEL ABSURDO AL CINE DE BOUDOIR. Conozco a muchos degustadores de perlas raras que no dudarían ni en segundo en colocar un punto y final a este texto después del párrafo impreso más arriba. Para ellos, todo lo que Borowczyk hizo después de “Blanche” tiene un interés más bien relativo. Eso opinan, al menos, casi todos los enciclopedistas cinematográficos serios que he consultado. Pocos le perdonan al ‘enfant terrible’ de la animación para adultos su posterior y perseverante dedicación al ‘eurotismo’ de arte y ensayo.
Encasillado a su pesar, a Borowczyk le costó lo suyo mantenerse en activo desde 1974 a 1991, periodo en el que realizó una docena de largos y un par de piezas televisivas. Afortunadamente para él, al menos tres de estos trabajos, “Cuentos inmorales”, “La Bestia” e “Interior de un convento”, figuran en el ranking de los títulos más populares del género erótico. El resto de su producción, gracias al interés demostrado por cinéfagos de todas las latitudes, está siendo ahora mismo rescatado del olvido a través de retrospectivas, pases televisivos y ediciones en vídeo y DVD para coleccionistas.
Lo curioso del caso es que, por mucho que insistan sus detractores o sus fans más esquinados, el estilazo de Borowczyk se manifiesta en todas y cada una de sus películas, sean éstas largas o cortas, de imagen real o de animación. Incluso en un bodrio tan descarado como “Emmanuelle 5” puede uno encontrar huellas de auténtico genio. Resumiendo mucho, y para no machacar conceptos que aparecen mejor explicados en el apartado filmográfico, diré que a mí me gusta su cine porque está exquisitamente concebido: es un cine de montaje, contrastes y encuadres; de texturas, fragmentos y objetos; de cuerpos, movimientos y miradas; de guiños literarios, voces en off y pausas espaciotemporales. Un genuino placer para los sentidos.


Filmografía comentada de Walerian Borowczyk

Las películas de Borowczyk tienen algo especial. Nada más echarles un vistazo, uno se da cuenta de que son suyas. Es por su manera de rodar, de encuadrar y de montar. El tío compone los planos como un fotógrafo obsesionado por los pequeños detalles. Coloca a sus actores como muebles en una tienda de antigüedades. A las mujeres desnudas les corta la cabeza, las piernas, los brazos, para fijarse sobre todo en las partes sexies de su anatomía. Monta las imágenes por contraste asociativo: a un plano general le suele seguir un primer plano de un objeto. Utiliza con frecuencia la cámara al hombro y el desenfoque casual. Está obsesionado con el erotismo de Fin de Siglo, los objetos de anticuario, los catálogos, las repeticiones, los archivos, los marcos y la música clásica. Le encanta la ropa de cama blanca, los bordados, los corsés, las túnicas romanas, los espejos, las duchas y los baños. Autodidacta y metomentodo, él mismo suele encargarse de la dirección artística, los decorados, el montaje y hasta la fotografía de sus películas, además de escribirlas y realizarlas. Entre los colaboradores que le han sido más fieles cabe destacar al encargado de vestuario Piet Bolscher (“Blanche”, “Cuentos inmorales”, “Tres mujeres inmorales”, “L’armoire”, “Dr.Jekyll et les femmes”), que trabajó igualmente con Costa-Gavras y Robbe-Grillet, y los directores de fotografía Guy Durban (“Théatre de Monsieur & Madame Kabal”, “Goto, isla del amor”, “Blanche”, “Cuentos inmorales”), autor también de un magnífico texto sobre Mandiargues publicado en la primera reedición de “Le Musée noir”, y Bernard Daillencourt (“Cuentos inmorales”, “La Bestia”, “Tres mujeres inmorales”), el operador de cámara oficial de David Hamilton en “Bilitis”, “Laura, las sombras del verano” y “Tiernas primas”.

‘THÉATRE DE MONSIEUR & MADAME KABAL”. Francia, 1962-1967.
Primer y único largometraje animado de Borowczyk. Enteramente dibujado por él. Un hombrecillo inofensivo y una mujer arpía (el señor y la señora Kabal) protagonizan una serie de sketches domésticos de inspiración surrealista. Automatismo y asociación de ideas al servicio de un humor audiovisual de alta graduación. Al principio y al final de la función, el propio director-dibujante irrumpe en la pantalla. “Me llaman Boro”, le dice a la Sra. Kabal. Un detalle curioso: el metraje está salpimentado con postales de Fin de Siglo e imágenes reales de chicas en bañador.

‘GOTO, L’ÎLE D’AMOUR’. Francia, 1968.
Versión española: “Goto, isla del amor”. Por un lado, es una divertida alegoría política antitotalitaria a lo "Ubu Rey", de Alfred Jarry; por el otro, una fascinante recreación del cine mudo con ramalazo nórdico. En una isla ficticia habitada por seres humanos cuyos nombres comienzan con la letra G, un condenado a muerte es amnistiado por capricho del monarca. Sin querer, este personaje descubre que la Reina (encarnada por Ligia Branice, musa y pareja sentimental de Borowczyk) mantiene relaciones sexuales con su profesor de equitación. Los acontecimientos se precipitan: hay suicidios, asesinatos, ajustes de cuentas y hasta una resurrección surrealista. La escena de los funerales inspiró una muy similar en la película "Institut Benjamenta", de los hermanos Quay.

‘BLANCHE’. Francia, 1971.
Versión española: “Blanche”. Filigrana medieval en clave shakespeariana, inspirada por “Mazepa”, de Juliusz Slowacki, un texto publicado en 1889. La protagonista vuelve a ser Ligia Branice, disfrazada de joven y frágil esposa de un noble octogenario (Michel Simón, en su penúltima aparición en pantalla) que la mantiene encerrada en su castillo. En el transcurso de una fiesta, la chica sufre el acoso del Rey, el paje del Rey y, lo que es peor, su propio hijastro. La cosa acaba con un baño de sangre. Borowczyk filma a los actores de perfil o de frente, encuadrados dentro de ventanas y marcos arquitectónicos, acentuando la sensación de falta de perspectiva propia de las pinturas del siglo XIII.

‘CONTES INMORAUX’. Francia, 1974.
Versión española: “Cuentos inmorales”. Largo compuesto por cuatro historias independientes. “La marée” es una adaptación literal de un relato de Mandiargues: un adolescente (Fabrice Lucchini) obliga a su primita (Lise Danvers) a que le practique una mamada mientras sube la marea. En “Thérèse Philosophe”, una quinceañera beata (Charlotte Alexandra) se masturba con un pepino después de excitarse con los objetos y libros antiguos que encuentra en una habitación donde ha sido encerrada como castigo por llegar tarde a casa. “Erzsébet Báthory” es una detallada descripción de las actividades cotidianas de la condesa húngara del siglo XV que acostumbraba a bañarse con la sangre de jóvenes campesinas. Paloma Picasso, la hija del pintor, encarna al personaje. La última historia se titula “Lucrezia Borgia”. Está ambientada en la Roma de 1498. Recrea un excitante ‘ménage-à-trois’ entre la célebre envenenadora (Florence Bellamy), su padre el Papa Alejandro VI, y su hermano el Cardenal César Borgia. Borowczyk disfruta recreando diferentes épocas históricas con cuatro brochazos decorativos, y se relame de gusto acariciando con el objetivo de la cámara los cuerpos femeninos de actrices y figurantes, en primerísimos planos detalle, forzando el encuadre, improvisando sobre la marcha. Los montajes de las escenas de masturbación y las de las duchas colectivas ponen cardiaco a cualquiera.

‘DZIEJE GRZECHU’. Polonia, 1975.
Versión española: “Historia de un pecado”. Se basa en un folletín de 1906 escrito por Stefan Zeromski. Narra las desventuras de una joven ingenua (Grazyna Dlugolecka) que se enamora de un escritor y, por su culpa, sufre todo tipo de calamidades. A saber: mata a su propio hijo, se prostituye, se deja chulear por unos indeseables y acaba sacrificándose por amor. Es la única película larga que Borowczyk dirigió en su país natal, y la única que aún no he podido ver. Participó en el Festival de Cannes. Algunos críticos la describen como un melodrama fetichista sin prejuicios.

‘LA BÊTE’. Francia, 1972-1975.

Versión española: “La Bestia”. En 1972, el productor Anatole Dauman contrató a Borowczyk para que rodase un final impactante para la película de Alain Fleisher “Les rendez-vous en forêt”, protagonizada por Catherine Jourdan, maciza descubierta por Alain Robbe-Grillet en “L’Eden et après”. Fleisher no dejó que nadie manipulase su trabajo, pero Boro aprovechó el encargo para rodar un mediometraje inspirado por una antigua leyenda gabacha (la misma que late, por cierto, debajo del guión de la recién estrenada “El pacto de los lobos”, de Christophe Gans). Con el título de “La véritable histoire de la Bête de Gévaudan”, la pieza estuvo a punto de formar parte de “Cuentos inmorales”. Al final, se utilizó como clímax orgasmatrónico de "La Bestia". La protagonista es una guapa heredera anglosajona (Lisbeth Hummel) que está a punto de casarse con un aristócrata francés. Mientras se soluciona el papeleo religioso, la joven pasa unos días en la mansión del novio, excitándose con los caballos, las lecturas y las malas compañías. Cuando ya no puede más de calentura, se imagina el choque sexual entre una antepasada de su futuro marido (Sirpa Lane) y una Bestia peluda y libidinosa. Borowczyk aprovecha este astuto giro de guión para combinar las imágenes del corto con las del largo. La excitación sube y el monstruo, armado con un pene de 45 centímetros, acaba inundándolo todo de esperma.

‘LA MARGE’. Francia, 1975.
Versión española: “Una mujer de la vida”. La obsesión sexual de un hombre de negocios felizmente casado por una prostituta caprichosa. Extraña adaptación cinematográfica de la novela con la que Mandiargues ganó el Premio Goncourt en 1967. En la película, él es Joe Dallesandro, ‘sex-symbol’ de la Factory de Andy Warhol, y ella es Sylvia Kristel, en pleno subidón de autoestima tras el éxito de “Emmanuelle”. Boro traslada la acción de Barcelona a París, filma a los actores como si fuesen estatuas de carne, y se entretiene enfocando y desenfocando objetos en primerísimo plano. En las escenas de folleteo suenan canciones de 10cc y Pink Floyd. En su momento, no gustó a nadie. A mí siempre me ha parecido una rareza: tiene un tono depresivo que hipnotiza.

‘INTERNO DI UN CONVENTO/INTÉRIEUR D’UN COUVENT’. Francia/Italia, 1977.
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Versión española: “Interior de un convento”. Los “Paseos romanos” de Stendhal le sirven de pretexto al director para encerrarse entre los muros de un convento italiano repleto de jovencitas en celo. Nada puede hacer la Madre Superiora para sofocar la rebelión sexual que se avecina. La institución religiosa parece un colegio mayor de los que salen en las historietas de la revista ‘Kiss’. Las novicias bailan semidesnudas en la capilla, se toquetean los pechos en el confesionario y reciben a sus amantes en la sala de bordar. Por las noches, las más audaces mezclan plegarias con masturbaciones, crucifijos con consoladores, estampitas de la Virgen con dibujos de penes erectos. Una monja toca el violín desnuda, y otra, también desnuda, practica yoga delante del reclinatorio. Sin duda, ésta es la película más jugosa y jocosa de toda la filmografía de Borowczyk. La única en cuyo reparto estelar coinciden sus dos fetiches femeninos: Ligia Branice y Marina Pierro. Una lección de manejo de cámara al hombro y un prodigio de montaje asociativo.

‘LES HÉROÏNES DU MAL/TROIS FEMMES INMORALES’. Francia, 1978.

Versión española: “Tres mujeres inmorales”. Femineidad, sexo y venganza a través de la historia. Una nueva vuelta de tuerca a la fórmula inaugurada en 1974 con “Cuentos inmorales”. La protagonista del primer ’sketch’, ambientado en el Renacimiento Italiano, es Margherita (Marina Pierro), la ’fornarina’, modelo y amante del pintor Rafael. Después de divertirse mucho posando y follando en el estudio del artista, seduce a un banquero para robarle las joyas. Al final, reparte pastelitos envenenados y regresa con su novio campesino. La segunda mujercita inmoral se llama Marcelline (Gaëlle Legrand). Es una pizpireta Lolita de Fin de Siglo. Se pasa las horas muertas jugando con un conejito blanco en el jardín de su casa, recalentándose las tetitas al sol. Una mala tarde, azuzados por una sirvienta envidiosa, los padres de la niña cocinan a la mascota peluda y se la comen. Para vengarse, Marcelline entrega su virginidad a un matarife negro. Luego, con un cuchillo de carnicero, les corta el pescuezo a mamá y papá. El argumento se basa en el relato "Le sang de l’agneau", de Mandiargues, incluido en el libro "Le Musée noir". Marie (Pascale Christophe), una burguesa parisina de finales de los 70, sufre un secuestro con violación en la tercera y última parte de la película. Su perro, un doberman negro, la rescata y, de paso, asesina al pesado de su marido. Lo mejor: el ambiente sensual del primer episodio y la atmósfera ’hamiltoniana’ del segundo, rota con una salvaje pincelada gore.

‘COLLECTIONS PRIVÉES’. Francia/Japón, 1979.
Versión española: “Colecciones privadas”. El productor Pierre Braunberger convence a tres erotómanos de moda para que le fabriquen tres mediometrajes a medida. Just Jaeckin naufraga en una isla en compañía de varias sirenas caníbales (la más guapa es Laura Gemser). Shuji Terayama se enreda en una psicodélica fábula de fantasmas tocapelotas. Walerian Borowczyk adapta a Guy de Maupassant con la soltura acostumbrada. Su ’sketch’, titulado "L’armoire", ilustra con demasiada economía de medios una anécdota sin importancia. Un señorito aburrido (Yves-Marie) acude a un cabaret para acostarse con una corista (Marie-Catherine Conti). Después de pagar y follar, descubre que la mujer ha escondido a su hijo en un armario.

‘LULU’. Francia, 1980.
Ascensión y caída de una mujer de la vida (Anne Bennent) que acaba liándose con el mismísmo Jack el Destripador (Udo Kier). Los dos textos dramáticos más conocidos de Frank Wedekind se convierten en manos de Borowczyk en un experimento escénico a contracorriente: los personajes entran y salen de plano como si estuviesen encerrados en una casa de muñecas, los actores pronuncian sus diálogos por control remoto y las escenas de sexo provocan escalofríos. Rarita de cojones.

‘DR.JEKYLL ET LES FEMMES/LE CAS ÉTRANGE DU DR.JEKYLL ET MISS OSBOURNE’. Francia, 1981.
La versión cinematográfica más enloquecida y rabiosa de la novela corta de Stevenson. Udo Kier interpreta al Dr.Henry Jekyll. Marina Pierro es su novia Fanny Osborne. Para celebrar el compromiso matrimonial entre ambos, se organiza una cena en casa del primero. La velada se convierte en una orgía de sangre y sexo a medida que un misterioso personaje, Mr.Hyde (Gérald Zacberg), va ensartando uno por uno a todos los invitados con su monstruoso miembro de color rojo. Patrick Magee interpreta a un general psicótico y Howard Vernon es un científico chapado a la antigua. Cuando el espectador ya se ha acostumbrado a la música electrónica, los espacios cerrados, los diálogos de besugo, los flashes de luz azul y los estallidos de violencia irracional que salpican el metraje, Borowczyk acelera el ritmo en el tramo final y transforma las últimas secuencias en un maremagnum de imágenes alucinógenas. Henry Jekyll y Fanny Osborne se sumergen en una bañera llena de droga, pierden el control y se devoran el uno al otro.

‘ARS AMANDI/L’ART D’AIMER’. Italia/Francia, 1983.
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Versión española: “El arte de amar”. Roma, año 8 antes de Cristo. Claudia (Marina Pierro) es una ardiente mujer necesitada de afecto, sobre todo cuando su marido centurión está en el frente. Se pasa el día entrando y saliendo de una gigantesca bañera-pecera transparente, intercambiando confidencias con su sirvienta negra. Por las noches, recibe las visitas de un joven amante, pupilo del mismísimo Ovidio. Antes de que el esposo cornudo vuelva a casa, la bella sin alma tiene tiempo de soñar con toros folladores y montar orgías con esclavos nigerianos. Borowczyk vuelve a recrear con imágenes y sonidos uno de sus periodos históricos favoritos. Tomando como pretexto los versos didáctico-amorosos de Ovidio, se marca un ejercicio de estilo aderezado con escenas de comedia, sexo y violencia doméstica. La película no sigue una línea narrativa concreta, combina el sueño con la realidad, los pasajes contemplativos con la acción sinvergonzona. Para complicar aún más las cosas, los distribuidores italianos añadieron insertos porno en algunas secuencias. El epílogo, ambientado en los años 80, resulta un tanto forzado.

‘EMMANUELLE 5’. Francia, 1985.
Un trabajito de encargo que Boro dejó a medio terminar. Emmanuelle (Monique Gabrielle) presenta en el Festival de Cannes su último pornete de aventuras, titulado “Love Express”. Las escenas de esta película dentro de la película tienen el toque Borowczyk, sobre todo las que están ambientadas en un harén, el resto es cosa de su asistente Thierry Bazin. Más cercana a un bodrio de la productora Eurociné que a un episodio de la saga de Emmanuelle.

‘CÉRÉMONIE D’AMOUR’. Francia, 1987.
Adaptación cinematográfica de uno de los últimos y más sofisticados textos de Mandiargues: la novela “Tout disparaîtra”. Un joven anticuario (Mathieu Carrière) conoce a una misteriosa mujer (Marina Pierro) en el Metro de París. Juntos visitan la iglesia de Saint-Germain-des-Prés antes de encerrarse en un ‘boudoir’ lleno de mariposas vivas. Allí, la mujer se transforma en un súcubo sexual y el hombre se entrega a sus más bajas pasiones. El lenguaje literario lo impregna todo. Las imágenes parecen sacadas de una ensoñación simbólica. Boro despliega su arsenal estilístico con la meticulosidad de un viejo profesor, sin concesiones a la galería. Esta es, probablemente, su película más personal.


BOROWCZYK EN LAS DISTANCIAS CORTAS
Estos son los cortometrajes más destacados de la filmografía de Borowczyk. No están todos los que son, pero sí son todos los que están. Al final, incluimos dos encargos televisivos.

“Byl Sobie Raz…” (“Érase una vez…”), 1957
Líneas y formas sobre celuloide acompañadas por música clásica. Primera colaboración entre Boro y Jan Lenica.

“Nagrodzone Uczucie” (“Sentimiento recompensado”), 1957
Pintura y pintor naïf mezclados en un flashback circular. Boro y Lenica participan en el Festival de Cine de Cannes.

“Dom” (“La casa”), 1958
Descripción surrealista de una casa por dentro y por fuera. Boro y Lenica ganan 10.000 dólares en el Festival de Cine Experimental de Bruxelas.

“Les Astronautes” (“Los astronautas”), 1959
Mezcla de collage e imagen real. Codirigido por Chris Marker.

“Encyclopédie de grand-maman en 13 volumes” (“La enciclopedia de la abuela en 13 volúmenes”), 1963
Un repaso a la evolución de los medios de transporte a través de viejos grabados: automóvil, ferrocarril, globo…

“Renaissance” (“Renacimiento”), 1963
Una habitación destruida se reconstruye fotograma a fotograma.

“Les Jeux des anges” (“Los juegos de los ángeles”), 1964
Manchas rojas y traqueteo de tren. Una fábrica donde se descuartizan ángeles. Alegoría de los campos de concentración.

“Les felins”, 1964.
Boro se encargó de los créditos animados de esta película de René Clément, con Alain Delon y Jane Fonda.

“Le Dictionnaire de Joachim” (“El diccionario de Joachim”), 1965
Un personaje dibujado explica con gestos el significado de diversas palabras. 20 años más tarde, Bill Plympton ha hecho cosas muy parecidas.

“La vie de château”, 1965
Boro se encargó de los créditos animados de esta película de Jean-Paul Rappeneau, con Catherine Deneuve y Philippe Noiret.

“Rosalie”, 1966
Adaptación en imagen real de un relato de Guy de Maupassant, protagonizado por la musa y esposa de Borowczyk, Ligia Branice, una mujer de expresión renacentista y dicción marciana.

“Gavotte”, 1967
Divertimento con enanos disfrazados y música de Rameau.

“Une Collection particulière” (“Una colección particular”), 1973
Documental sobre la colección personal de objetos eróticos de Borowczyk. Texto escrito y declamado por el escritor André Pieyre de Mandiargues.

“Almanach des adresses des demoiselles de Paris” (“Almanaque de direcciones de las señoritas de París”), 1989.
Episodio de 25 minutos perteneciente a la teleserie “Serie Rosa”, coproducida por TVE. Picardías cortesanas de inspiración popular. Con Jean Mylonas como el Marqués de Sade.

“Le Lotus d’Or” (“El loto de oro”), 1991.
Episodio de 25 minutos perteneciente a la teleserie “Serie Rosa”, coproducida por TVE. Adaptación de un clásico del erotismo oriental escrito por Jin Ping Mei. Con Chun Yan Ning y Yoki Tani.


Borowczyk se explica

SURREALISMO
—El surrealismo —al igual que el cubismo, el futurismo o el expresionismo— ha ejercido tanta influencia en la sensibilidad contemporánea —y ha ido adoptando tantas características de los demás ‘ismos’— que resulta inútil tratar de aislar su huella en mi obra.

ALQUIMIA
—Todo artista es un artesano y un alquimista. Pero alquimista en el sentido de que es capaz de mezclar cosas muy distintas y obtener algo totalmente inesperado. El alquimista utiliza métodos no científicos.

ANIMACION
—El cine en general, todo el cine, es animación. El cine de imagen real es cine de animación fotográfica. En última instancia, un trozo de película sólo es una sucesión de imágenes fijas. Si sustituyes esa fotos por dibujos se obtiene el mismo resultado. A principios de siglo, el cine era llamado ‘fotografía animada’.

Opiniones citadas por Daniel Bird en un texto publicado en el programa de una exposición sobre Borowczyk celebrada en junio de 1998 en el Museo Nacional de Fotografía, Cine y Televisión de Londres.

AUTODIDACTA
—No fui a ninguna escuela de cine. Estudié en la Academia de Bellas Artes de Cracovia. Empecé a hacer películas sin querer, utilizando una cámara de 16mm que compré a los 14 años. La vi expuesta en un escaparate, abierta, con su mecanismo a la vista. Me fascinó. Empecé a experimentar con ella. Cuando vi las primeras imágenes rodadas por mí, todas las nociones de técnica que tenía se esfumaron en el aire.

ESCUELAS
—La técnica es algo que puede aprenderse rápidamente. La escuela puede servir para eso, pero es más interesante utilizarla como punto de encuentro con otras personas que compartan tus pasiones. En general, se aprende más en los pasillos y escaleras de una escuela que en las aulas. Suele ser ahí donde se gesta el futuro del arte

MOVIMIENTO
—Sigo fascinado por las imágenes en movimiento: para mí son como esculturas mecánicas. (…) Mis primeras películas eran manchas y formas que se movían en un universo musical.

MONTAJE
—Para montar bien no hace falta ir a la escuela. Basta con tener una cosa clara: un segundo de película tiene 24 fotogramas.

REALIDAD
—Rodar no es la parte interesante del proceso creativo cinematográfico. A mí lo que realmente me interesa es el resultado final, lo que tiene que proyectarse en una pantalla. (…) Incluso en el caso de que uno quiera realizar películas convencionales, creo que siempre es necesario ‘dibujarlas’ antes, ya sea directamente sobre el celuloide o utilizando decorados y actores. (…) La fotografía realista es demasiado simple. El proceso creativo se reduce casi a cero. Si uno decide utilizar fotos en vez de dibujos para hacer una película, lo que tiene que hacer es crear otra realidad, deformarla, reinventarla. (…) Lo más difícil es evitar la reproducción mecánica de la naturaleza. Tiene que haber algo más, y no estoy hablando sólo de temperamento, personajes y argumento. Por encima de todo debe haber un concepto de lo que significa hacer cine.

LIBERTAD
—El arte verdadero exige libertad y sinceridad. (…) Ningún cineasta tiene este tipo de libertad. (…) Ser un cineasta cuya obra debe ser vista significa que se está obligado a trabajar dentro de unos parámetros controlados por degenerados circuitos de exhibición. (…) Las películas no se consideran obras de arte, sino mercancía industrial. (…) Hasta los más grandes cineastas están obligados a disimular sus ideas en las películas que hacen si no quieren perder ciertos privilegios.

CRITICA
—¡Ay, los críticos! Por regla general, los críticos cinematográficos son gente muy limitada. No parecen estar muy interesados por las ideas. O quizás no estén preparados para entenderlas. (…) La crítica de cine es como un circo.

ERODISNEY
—¿Por qué no buscáis erotismo en las películas de Walt Disney? Escoged cualquiera y os daréis cuenta de que nunca falta. Por ejemplo, en “Blancanieves y los 7 enanitos”. ¿Por qué no buscáis sexo ahí? Se puede sentir el deseo reprimido a la legua. ¿No es asqueroso? Deseos que no pueden expresarse. Yo nunca he hecho películas de ese tipo.

PORNOGRAFIA
—La pornografía, para mí, no existe, aunque esté presente en todas partes. ‘Pornografía’ es un término legal, no una definición crítica o artística. En cada país se entiende de una manera distinta. (…) La diferencia entre un porno casero y una de mis películas está en el montaje. Me da igual rodar a un hombre comiéndose una manzana que a una pareja follando. (…) Prácticamente en todas las películas de la historia del cine sale una pareja abrazándose. La oposición de los sexos es una constante. ¿Pero dónde está el límite? Puedes filmar la pierna de una mujer en plano general sin que nadie piense nada raro; fílmala en primer plano y habrá alguien que opine que eso es obsceno.

FEMINISMO
—¿Feministas? Pensaba que ya habían desaparecido. Las que conocía ya han crecido, se han casado y ahora organizan cenas en casa. Bromas aparte, creo que las mujeres ocupan un lugar privilegiado en mis rodajes; mucho más importante que el que ocupan en rodajes de películas que no son ni la mitad de polémicas que las mías. (…) En el fondo, siempre me he colocado del lado de los personajes femeninos. Admiro su energía y su heroísmo a la hora de ver realizados sus deseos, sean cuales sean estos deseos.

GENEROS
—El cine de géneros me asquea. Está basado en la repetición de viejos esquemas. Para mí, eso es pornográfico. En este tipo de cine siempre hay buenos y malos. Yo tengo mi propio punto de vista al respecto. (…) Además, siento animadversión por las etiquetas. John Ford dijo una vez en una rueda de prensa: ‘Hola, soy John Ford y hago películas del Oeste’. Muchos han tratado de obligarme a que yo diga algo parecido: ‘Hola, soy Walerian Borowczyk y hago películas eróticas’. Lo malo es que nadie distingue entre películas del Oeste reaccionarias y películas del Oeste progresistas.

ABSTRACCION
—El cine no es literatura. El cine es apariencia. Mi manera de contar una historia no es la misma que la de un escritor. Para mí, el movimiento es creación. Es una lástima que no pueda hacer películas completamente abstractas. Después de todo, a la gente le encanta ver fuegos artificiales y eventos deportivos. El cine todavía no ha llegado a ese punto.

VOYEURISMO
—Soy ‘voyeur’ como pueda serlo cualquier persona. El cine y la televisión incentivan el ‘voyeurismo’. Yo solo hago películas; los demás las miran.


ENLACES/FUENTES:
http://cartooniablog.blogspot.com.ar/2009/02/walerian-borowczyk.html
http://pedrocalleja.blogia.com/2006/081501-borowczyk-se-explica.php
http://pedrocalleja.blogia.com/2006/082201-filmografia-comentada-de-walerian-borowczyk.php
http://pedrocalleja.blogia.com/2006/082202-el-gabinete-erotico-del-doctor-borowczyk.php
http://dimensionfantastica.blogspot.com.ar/2008/04/la-bestia-walerian-borowczyk-beast-1975.html
http://worldweirdcinema.blogspot.com.ar/2009/09/eight-short-films-by-walerian-borowczyk.html
http://www.forodvdmania.com/phpBB3/viewtopic.php?f=4&t=10485&p=585520
http://www.awn.com/gallery/boro/index.html
http://www.ubu.com/film/borowczyk.html

miércoles, 30 de mayo de 2012

Samsara (2011)

Samsara
Last updated by Darren on 08 May 2012
Samsara monks
Current status:  The theatrical release of Samsara will be in August 2012 and will at various theatres across the US.  Samsara's World Premier screening was at the Toronto International Film Festival on Sept. 11, 2011.  The team are currently arranging further showings. If you would like to receive information about Samsara when it becomes available sign up for the newsletter.
Samsara Trailer available to watch online
Samsara is a nonverbal film described by the makers as a "guided meditation".  The film uses very high quality images, scenes of nature and mankind to stimulate the viewer.  The film contains no plot or actors, although there are several performers in the film. Samsara is Ron Fricke's 2011 follow-up to Baraka.  


Review

This review is based on a single viewing of Samsara from the World Premiere in Toronto.  It is very likely to change a little as I watch the film again (and again probably).  Darren Lambert, October 2011.
Samsara is different to Baraka, as Ron Fricke told me himself.  But it has the same spirit.  Samsara has the same exquisite picture quality, emotion evoking landscapes and people,  timelapse sequences, fast paced editing, and emotional music.
Samsara is more about people than Baraka.  It is less spiritual than Baraka.  It is more urban than Baraka.  If you like Baraka, you will probably like Samsara.
Samsara starts quickly with a traditional Balinese dance.  Quite the contrary to the slow start of Baraka.  Several sequences play before the titles let you know that the intro is over.
The content of Samsara is varied.  With a definite emphasis on people, what people have done, what they do and what has happened to people.
Shots are cleverly intertwined.  When watching a sequences that seems to show an abandoned house full of sand, I didn’t realise when the next sequence was a house form New Orleans, with a car stuck between houses, and mud inside the homes.
Samsara has a sense of humour.  There are three memorably sequences where people laughed at the premiere, and I think this will be the same for most audiences.  And of course on the flip-side there are very serious sequences filmed inside several abattoirs. These sequences are likely to be a source of controversy for viewers, just like the battery chicken farms from Baraka were.  Chicken factories are again included in Samsara.  I suspected that many people, myself included, will question that if these images seem are hard to watch, should we really continue to eat meat?
There are definitely touches of Ron Fricke’s earlier films.  Time-lapse sequences of car headlights at night are remaniscent of Koyaanisqatsi.  Whilst from Chronos, the light creeping across St Peters, and the tide from the top of St Mont St Michel are beautifully re-created.  A sulphur mine is also featured, that seems familiar to the mine in Powaqatsi, but I don't think it is the same mine.
Samsara gives me a big feeling that we as humans are all part of a massive circle, whether we like it or not.  And everyone plays their part of that circle.
Circles also appear in other themes of the film.  People's need to  recycle is featured, especially that of the poorer nations of the world.
From the darkness of reflection comes an amazing sequence from within a prison.  The orange overall wearing inmates perform an amazing routine in the exercise yard.  Tough inmates watch from behind bars.  I later found out that the inmates are from the Cebu Provincial Detention and Rehabilitation Center, in the Philippines.  Their performance is mesmerising, and I am sure that a small part of their display re-enacts the Kecak dance seen in Baraka.
Samsara was made 19 years after Baraka, and the world has changed.  One musical piece that stood out was that of a hip hip track, fitting the visuals perfectly.
Just like in Baraka, war is featured.  We see weapons being manufactured.
We also see, just like in Baraka, the Western Wall of Jerusalem.  This time however, the people are shown more up-close, which is a running theme in Samsara.
Perhaps the finest wide angle sequence is that of Mecca.  Whilst Mecca was included in Baraka, the sequence in Samsara is bigger and better.  Very close details of those praying.  As the sequence ends the shots get wider, and wider giving away the huge sense of the celebration in a way probably never seen before.  How the team manage to get permission to film in this way shows their talent as negotiators as well as filmmakers.
A re-occuring theme in Samsara is that or cycles, repetition, or as Ron Fricke wrote many years ago - The Wheel of Life.
Samsara is a beautiful, guided meditation of the people of the world.  I highly-recommend that you try and see it on the big screen before it goes to DVD and Blu Ray.
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Images

Images are © Copyright 2011 Magidson Films.

Behind The Scene Images

Images are © Copyright 2011 Magidson Films.

Baraka (2001)

Baraka
Last updated by Darren on 30 September 2011
Baraka cover from Blu Ray
Baraka is an incredible nonverbal film containing images of 24 countries from 6 continents, created by Ron Fricke and Mark Magidson, with music from Michael Stearns and others. The film has no plot, contains no actors and has no script.  Instead, high quality 70mm images show some of the best, and worse, parts of nature and human life.  Timelapse is used heavily to show everyday life from a different perspective.  Baraka is often considered a spiritual film.

Baraka is now available on Blu Ray DVD
Baraka Blu Ray
Baraka has finally got a Blu Ray transfer, allowing the film to be seen in the quality that it was intended.
A unique 8K ultradigital transfer system was developed especially for Baraka to capture it to Blu Ray.
The new release includes 80 minutes of new bonus features.
The disc comes in 100% recycled material.
Order on Amazon.com for just $15.98, and Amazon.co.uk for just £12.98.
Baraka is an ancient Sufi word, which can be translated as "a blessing, or as the breath, or essence of life from which the evolutionary process unfolds."  For many people Baraka is the definitive film in this style. Breathtaking shots from around the world show the beauty and destruction of nature and humans. Coupled with an incredible soundtrack including on site recordings of The Monks Of The Dip Tse Chok Ling Monastery.
Baraka is evidence of a huge global project fueled by a personal passion for the world and visual art. Working on a reported US$4 million budget, Ron Fricke and Mark Magidson, with a three-person crew, swept through 24 countries in 14 months to make this stunning film.

One of the very last films shot in the expensive TODD-AO 70mm format, Ron Fricke developed a computer-controlled camera for the incredible time-lapse shots, including New York's Park Avenue rush hour traffic and the crowded Tokyo subway platforms.
Some people find the lack of context in Baraka occasionally frustrating, not knowing where a section was filmed, or the meaning of the ritual taking place. However, the DVD version includes a short behind-the-scenes featurette in which cinematographer Ron Fricke explains that the effect was intentional. "It's not where you are that's important, it's what's there."

The DVD also includes behind the scenes footage, including scenes of the grueling shoot at Ayer's Rock in Australia, when a plague of flies of Biblical proportions made it impossible to film until they rigged up a vacuum to suck the bugs away from the lens.

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Overview

For me Baraka is the pinnacle of these films. The quality of the cinematography is outstanding. Shots flip from solitary Monks to crowded streets from great temples to images of war firing a hundred and one thoughts in your mind that you never complete. 

Baraka is not just about what you are seeing, It is also about how it is presented. Shots of monks will make you grab your backpack and head for Asia as soon as the film finishes, but you never make it as the shots of post war Kuwait and the refuse dumps of Calcutta remind you that us humans are far from perfect.  The decision to use the Todd-70mm format film could never have been easy. The extra cost and work is clearly worth it though, it leaves its mark against all of the other films.

Images


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Interviews

Here are some great interviews with the film makers.  Taken from the DVD extras.


Visual images include...

Tibetan monks, Orthodox Jews, Whirling Dervishes, a solar eclipse, Buddhist monks, African tribal rituals, Jerusalem's Wailing Wall, rain forests, Ayers Rock, Big Sur country, Hawaiian volcanoes, Brazilian slums, time-lapse footage of car and pedestrian traffic, post-Persian Gulf War shots of Kuwait's burning oil fields, burning-of-the-dead ceremonies on the Ganges, refuse dumps of Calcutta, Auschwitz, Egyptian Pyramids, Angkor Wat, Mount Everest, Tuol Sleng in Cambodia, Indonesian factory workers.

Soundtrack

Baraka has a stunning and varied soundtrack.  Primarily composed by Michael Stearns, but also including contributions from many other artists and performers.  Buy the soundtrack here.

The Book

'Baraka a visual journal' is a book containing 58 original still photographs taken by Mark Magidson during the journey that created the film. Buy the book here. The images vary greatly with content and style, from Black and white to colour, from letter box to full page. The book contains passages where Magidson describes the film and its meaning. It also has 36 small shots, with descriptions showing the people and equipment that made the film. I would strongly recommend the book to anyone who has a passion for the film. It is very nicely printed on Monadnock Dulcet and bound in Asahi Cloth, produced by St. Anne's Press.

Samsara - the sequel

Ron Fricke is working on a sequel to Baraka entitled Samsara.

Credits

Directed and filmed by Ron Fricke.

Produced by Mark Magidson.

Edited by Ron Fricke, Mark Magidson and David Aubrey.

Production supervised by Alton Walpole.

Music by Michael Stearns, Dead Can Dance, David Hykes/The Harmonic Choir, Somet Satoh, Anugama & Sebastiano, Kohachiro Miyata, Inkuyo, L. Subramaniam, Monks of the Dip Tse Chok Ling Monastery, Rustavi Choir, Ciro Hurtado, Brother.

Read the complete credits and awards

Filming locations

  • Aerospace Maintenance and Regeneration Centre, Davis-Monthan Air Force Base, Tucson, Arizona, USA
  • Ahmadi, Kuwait| American Express Corporation, Phoenix, Arizona, USA
  • Angkor Thom, Cambodia
  • Angkor Wat, Cambodia
  • Angkor, Cambodia
  • Arches National Park, Moab, Utah, USA
  • Auschwitz, Poland
  • Australia
  • Auytthaya Province, Thailand
  • Bali, Indonesia
  • Bang Pa-ln, Thailand
  • Bangkok, Thailand
  • Barrio Mapasingue, Ecuador
  • Bathurst Island, Northern Territory, Australia
  • Bayon, Cambodia
  • Beijing, China
  • Bhaktapur, Nepal
  • Big Sur, California, USA
  • Bodnath, Nepal
  • Borobudur, Indonesia
  • Burgan Field, Kuwait
  • Bytom, Poland
  • Caiapó Village, Pará, Brazil
  • Cairo, Egypt
  • Calcutta, West Bengal, India
  • Caldad Blanca Cementerio, Ecuador
  • Candi Nandi, Indonesia
  • Candi Perwara, Indonesia
  • Canyon de Chelly National Monument, Chinle, Arizona, USA
  • Canyonlands National Park, Moab, Utah, USA
  • Carajás Animal Reserve, Pará, Brazil
  • Cathedral, Chartres, Eure-et-Loir, France
  • Cathedral, Reims, Marne, France
  • Central Australia, Australia
  • Chartres, Eure-et-Loir, France
  • Chennai, Tamil Nadu, India
  • Church of the Holy Sepulchre, Jerusalem, Israel
  • City of the Dead, Egypt
  • Cocinda, Northern Territory, Australia
  • Davis-Monthan Air Force Base, Tucson, Arizona, USA
  • Durbar Square, Nepal
  • Emam Mosque, Iran
  • Empire State Building - 350 Fifth Avenue, Manhattan, New York City, New York, USA
  • Favela da Rocinha, Rio de Janeiro City, Rio de Janeiro, Brazil
  • Galapagos Islands, Ecuador
  • Galata Mevlevi Temple, Istanbul, Turkey
  • Ganges River, India
  • General De Guayaquil, Ecuador
  • Ghats, India
  • Grand Central Station, Manhattan, New York City, New York, USA
  • Great Hall of the People, China
  • Green Plaza Capsule Hotel, Japan
  • Greenhaven Correctional Facility, Greenhaven, New York, USA
  • Guayaquil, Ecuador
  • Hagia Sophia, Istanbul, Turkey
  • Haleakalä National Park, Maui, Hawaii, USA
  • Hanuman Ghat, Nepal
  • Helmsley Building - 250 Park Avenue, Manhattan, New York City, New York, USA
  • Himalayas, Nepal
  • Hokke-Ji Temple, Japan
  • Iguazú waterfalls, Argentina
  • Ipanema, Rio de Janeiro City, Rio de Janeiro, Brazil
  • Isfahan, Iran
  • Istanbul, Turkey
  • JR Shinjuku Station, Japan
  • JVE Yokosuka Factory, Japan
  • Jadarta-Istigial Mosque, Indonesia
  • Jahra Road - Mitla Ridge, Kuwait
  • Java, Indonesia
  • Jerusalem, Israel
  • Jim Jim Falls, Northern Territory, Australia
  • Jogjakarta-Prambanan, Indonesia
  • Kailashnath Temple, India
  • Kakadu National Park, Northern Territory, Australia
  • Kasunanan Palace, Indonesia| Kathmandu, Nepal
  • Kediri Tabanan, Indonesia
  • Kediri-Gudang Gama Cigarette Factory, Indonesia
  • Kitt Peak National Observatory, Arizona, USA
  • Kona, Hawai`i, Hawaii, USA
  • Kowloon, Hong Kong, China
  • Kunwarde Hwarde Valley, Northern Territory, Australia
  • Kyoto, Japan
  • Lake Magadi, Kenya
  • Lake Natron, Tanzania
  • Li River, China
  • Los Angeles, California, USA
  • Luxor, Egypt
  • Mancan Padi, Indonesia
  • Mara Kichwan Tembo Manyatta, Kenya
  • Mara Rianta Manyatta, Kenya
  • Massai Mara, Kenya
  • Maui, Hawaii, USA
  • Mecca, Saudi Arabia
  • Meiji Shrine, Japan
  • Mesa Verde National Park, Colorado, USA
  • Mount Everest, Nepal
  • Mount Tramserku, Nepal
  • Mt. Bromo Valley, Indonesia
  • NMB Factory, Thailand
  • Nagano Springs, Japan
  • Nara, Japan
  • National Museum of India, New Delhi, India
  • New York City, New York, USA
  • Nittaku, Japan
  • Northern Territory, Australia
  • Oakland, California, USA
  • Pasupati, Nepal| Patpong, Thailand
  • Peabody Coal Mine, Black Mesa, Arizona, USA
  • Persepolis, Iran
  • Phnom Penh, Cambodia
  • Phoenix, Arizona, USA
  • Porto Velho, Rondônia, Brazil
  • Presh Khan, Cambodia
  • Pu`u`ö`ö, Hawai`i Volcanoes National Park, Hawai`i, Hawaii, USA
  • Pyramids at Giza, Egypt
  • Qin Shi Huang, China
  • Quilin, China
  • Ramasseum, Egypt
  • Reims, Marne, France
  • Represa Samuel/Dam & Lake, Rondônia, Brazil
  • Rio Preto, Minas Gerais, Brazil
  • Rio de Janeiro City, Rio de Janeiro, Brazil
  • Ryoan-Ji Temple, Japan
  • Sangho-Ji Temple, Japan
  • Shahcherach Mosque, Iran
  • Shiprock, New Mexico, USA
  • Shiraz, Iran
  • Siem Reap, Cambodia
  • Soi Cowboy, Thailand
  • Sonsam Kosal Killing Fields, Cambodia
  • Sormville, New York, USA
  • St. Peter Basilica, Vatican City
  • Swayambhu, Nepal
  • São Paulo City, São Paulo, Brazil
  • Ta Proum, Cambodia
  • Tampak Siring, Indonesia
  • Tegal Allang, Indonesia
  • Temple Gunung Kawi, Indonesia
  • Temple of Karnak, Egypt
  • Temple of Luxor, Egypt
  • Tiananmen Square, Beijing, China
  • Tiwi Tribe, Northern Territory, Australia
  • Tokyo, Japan
  • Tomoe Shizung & Hakutobo, Japan
  • Tonle Omm Gate, Cambodia
  • Tuol Sleng Museum, Cambodia
  • Uluru / Ayers Rock, Kata Tjuta National Park, Northern Territory, Australia
  • Uluru National Park, Northern Territory, Australia
  • Uluwatu, Indonesia
  • Vandharajan Temple, Varanasi, India
  • Varanasi, Uttar Pradesh, India
  • Vatican City
  • Wat Arun, Thailand
  • Wat Suthat, Thailand
  • Western Wall, Jerusalem, Israel
  • White House, Arizona, USA
  • World Trade Center, Manhattan, New York City, New York, USA
  • Xi'an, China
  • Yamanouchi-Machi Town Office, Japan
  • Yellow Water, Northern Territory, Australia
  • Zoujou-Ji Temple, Japan